Dos exposiciones que exploran la identidad, la cultura y la expresión en El Museo de Arte de Santa Barbara

El Museo de Arte de Santa Barbara presenta dos exposiciones que exploran la identidad, la cultura y la expresión

Amigos y Amantes
Del 22 de septiembre de 2024 al 2 de marzo de 2025
Acreción: Obras de mujeres latinoamericanas
Del 29 de septiembre de 2024 al 13 de abril de 2025

8 de octubre de 2024 — El Museo de Arte de Santa Barbara (SBMA) se complace en anunciar la inauguración de dos exposiciones especiales, Amigos y Amantes (hasta el 2 de marzo de 2025) y Acreción: Obras de mujeres latinoamericanas (hasta el 13 de abril de 2025). Ambas exposiciones profundizan en temas de identidad, resiliencia y expresión cultural con la obra diversa de artistas contemporáneos, ofreciendo al público una inmersión en las nociones de la amistad, la familia, la inmigración y el autodescubrimiento.

Estas dos exposiciones, así como un evento de inauguración pública organizado en conjunto con Pacific Pride Foundation de Santa Barbara, evidencian el compromiso de SBMA con la equidad y la participación en la comunidad. El Museo también se complace en ofrecer rótulos en las paredes y etiquetas de identificación tanto en inglés como en español para las obras de ambas exposiciones que se exhiben en las galerías, como parte de su continua atención a la accesibilidad y la inclusión.

Amigos y Amantes

La exposición Friends and Lovers (“Amigos y Amantes”), que se puede ver en la Galería Loeb del Museo, explora cómo los individuos LGBTQ+ han forjado vínculos de amigos y han creado familias alternativas al buscar solidaridad en su propia comunidad en medio de las presiones sociales.

Esta exposición, basada en obras de la colección de SBMA y en piezas prestadas, presenta una amplia variedad de técnicas artísticas que captan la intimidad, los desafíos y los triunfos de la experiencia del grupo LGBTQ+. La muestra incluye diversas técnicas y enfoques que incluyen el cine, la pintura, la escultura, el collage y la fotografía.

Una de las obras centrales de esta exposición es Naturaleza muerta con Triumeq® y caramelos que me recuerdan a Félix González-Torres (2023) (arriba), de Joey Terrill. El artista incorpora símbolos de su herencia chicana y su activismo para defender los derechos de los enfermos de VIH+ en esta naturaleza muerta, como el sarape –en alusión a sus raíces de inmigrante mexicano– y el Triumeq –un costoso medicamento para tratar el VIH que con demasiada frecuencia se vuelve prohibitivo por su precio exorbitante. Los caramelos pegados a la superficie de la pintura hacen referencia a una obra de Félix González-Torres en la que un montón de caramelos envueltos evocan a su difunto compañero, Ross Laycock, que al igual que él murió de complicaciones derivadas del SIDA en la década de 1990.

Otra pintora que expone aquí es Pui Tiffany Chow (周佩璇), quien desafía las representaciones clásicas de la mujer con su obra ¿Está adentro? ¿Está afuera? (2020). La artista expresó recientemente: “Esta pintura es una reinterpretación feminista y queer del canon occidental de los desnudos femeninos”. Chow usa los desnudos femeninos de artistas europeos masculinos, como Jacopo Pontormo, Antonio Canova y Jean Honoré Fragonard, y los vira al revés al reinterpretarlos desde la perspectiva de las mujeres que miran y desean a otras mujeres. Chow, una inmigrante de Hong Kong que ahora reside en Los Ángeles, incorpora elementos de la pintura china para resaltar el espacio negativo como activo e importante.

Una obra que se destaca en esta exposición es Persuasión (2024), de Edie Fake, por sus colores vivos y el trabajo detalloso que combina formas simplificadas con elementos inspirados en las cartas del tarot y en la espiritista suiza, Emma Kunz. En Persuasión, hay una rueda que rota en el centro —que pudiera ser un círculo cromático o la rueda de la fortuna de un parque de diversiones—mientras que las flores, las hojas y las gotas de agua evocan una sensación de cambio. Fake expresó: “Mi obra intenta resolver paradojas y visualizar estructuras y formas de ser ‘imposibles’ o ‘contradictorias’, lo cual es en gran medida un resultado de la experiencia trans en una cultura conformada por suposiciones binarias”.

Otros artistas aquí expuestos son Alex Foxton, Paul Mpagi Sepuya, Chiffon Thomas, Narsiso Martinez, Nell Campbell, Gerald Incandela, T.J. Wilcox y Félix González-Torres.

Esta exposición ha sido posible gracias al patrocinio de R&R Trust y Rachel Kaganoff.

Acreción: Obras de mujeres latinoamericanas

La exposición Acreción: Obras de mujeres latinoamericanas se encuentra en la Galería Preston Morton de SBMA. Al igual que las perlas se forman con la acreción [acumulación] de materiales a lo largo del tiempo, las obras de esta exposición reflejan la experiencia acumulada de las artistas que las exponen: mujeres que viven y trabajan en Estados Unidos, pero que tienen raíces en Argentina, Colombia, Costa Rica, Cuba, Guatemala, México y Perú. Al igual que las perlas se forman con la acreción [acumulación] de materiales a lo largo del tiempo, las obras de esta exposición reflejan la experiencia acumulada de las artistas que las exponen: mujeres que viven y trabajan en Estados Unidos, pero que tienen raíces en Argentina, Colombia, Costa Rica, Cuba, Guatemala, México y Perú.

Una pieza que se destaca es la de Patricia Iglesias Peco, Lavinia Mariposa (2024) (arriba). En ella, Peco se inspira en la novela Reina Amelia de Marosa di Giorgio (uruguaya, 1932–2004). El título de la pintura Lavinia Mariposa hace referencia a la figura mística y enigmática de la novela, Lavinia, a quien se le da la oportunidad de trabajar como mariposa en un jardín. La artista explica: “Lavinia es etérea, por lo que mi paleta es más suave y transparente. Del otro lado, está la figura de Bromelia, que actúa como una suerte de oráculo para las mujeres del libro. Los gestos y colores son mucho más fuertes y son una forma de crear tensión. Fundamentalmente es el color el que guía la forma en toda mi obra y es en esa forma visceral de trabajar que encuentro una conexión con di Giorgio”.

La obra Sin título (Vasija con glifos) (2024), de Allegra Pacheco, parece un artefacto perdido que permaneció intacto durante siglos. Hecha a mano y esmaltada con cobre y minerales orgánicos, esta vasija imita las incrustaciones de conchas y sedimentos marinos, haciendo referencia al paso del tiempo. Las figuras talladas en la superficie parecen gladiadores que emulan las posturas de entrenamiento que aparecen en los manuales de instrucción sobre la forma y las combinaciones del boxeo. “Ya sea a través de la fama, la reputación o la creación de objetos y legados imperecederos, los individuos a lo largo de la historia han buscado dejar una marca en el mundo que sobreviva a su existencia física”, explica la artista. “Además, el estado de fluidez experimentado tanto en la técnica como en el arte de la pelea puede elevarnos más allá de nuestra humanidad, rompiendo momentáneamente los lazos del tiempo”.

En el Barrendero nocturno (2019), de Jay Lynn Gomez, una silueta en primer plano resalta gracias a la luz de la fachada de una tienda —un ejemplo parcial del chiaroscuro. El barrido se ha logrado mediante rápidas pinceladas similares a las de los pintores J.M.W. Turner (inglés, 1775-1851) y Eugène Delacroix (francés, 1798-1863). El lienzo elegido (una humilde cartulina) refleja el rasquachismo de la sensibilidad chicana, que el artista describe como “hacer algo con lo que tengas”. A pesar de la labor representada, esta pintura no trata sobre el trabajo en sí, sino sobre la persona que hace el trabajo: los individuos que nos encontramos todos los días, cuya labor disfrutamos pero no reconocemos. “Como latina trans e hija de inmigrantes mexicanos que ahora se han hecho ciudadanos de EE.UU.”, explica Gómez, “los temas interseccionales inherentes a mi obra abordan las nociones de impermanencia, la división de clases y razas y otras desigualdades sociales”.

Esta exposición también incluye obras de los artistas Carlee Fernández, Isabel Barbuzza, Estefania Ajcip, Ilana Savdie, Diana Yesenia Alvarado, Evelyn Quijas Godínez, Deanna Barahona, Jackie Amézquita, Harmonia Rosales y Clare Rojas.

El Museo de Arte de Santa Barbara es uno de los mejores museos de la costa oeste y se distingue por la excelente calidad de su colección permanente. Su misión es integrar el arte en la vida de la gente a través de exposiciones y programas especiales reconocidos internacionalmente y por medio de la presentación detallosa de su colección permanente.

Santa Barbara Museum of Art, 1130 State Street, Santa Barbara, CA
Abierto de martes a domingo de 11AM a 5PM y el 1.^er jueves de cada mes de 5 a 8PM.
805.963.4364 www.sbma.net 

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